Filme des Jahres 1965
Version von Christian_alternakid :: 16.02.2021
1. Pierrot le fou
"Pierrot Le Fou" (aka "11 Uhr nachts") ist nach "Bande à part" wohl mein liebster Film von Jean-Luc Godard.
Nicht mit der wilden Naivität der Außenseiterbande, aber dafür mit dem Beweis, dass Kunstkino (und verdammt noch mal, wieviele Einstellungen in "Pierrot Le Fou" schreien Kunstkino und wurden in den Folgejahrzehnten kopiert!) auch flott und unterhaltsam, durchgeknallt und liebenswert, spannend und mitreissend sein kann.
Und was für ein Farbenrausch!
Und Anna Karina!
Oh, Anna Karina.
Wie sagt Jean-Paul Belmondos Ferdinand doch so treffend in einer Art Selbstbeschreibung des Films:
"Tender and cruel... real and surreal... shocking and mocking... nocturnal and diurnal.... usual and unusual... handsome as can be."
2. Die 27. Etage
Neben dem etwas surrealeren "Der Mann, der zweimal lebte" von Frankenheimer ist Edwards Dmytryks "Mirage" (aka "Die 27. Etage") einer meiner liebsten Paranoia-Filme der Mitt-60er. Dmytryk spielt hier in der Hitchcock-Liga: durchgehend spannend und mysteriös.
Das einzige, was - wie fast immer bei Filmen prä68 - stört, ist die Frauenfigur, die aus heutiger Sicht einfach nicht mehr schlüssig wirkt. Ansonsten ist es von bemerkenswerter Konsequenz, wie Dmytryk uns mit dem Protagonisten in diese völlige Unsicherheit wirft und dem Zuschauer eben gar keine Zusatzinfos liefert, sondern miträtseln lässt, warum alles gerade überhaupt passiert.
3. Ekel
Polanskis deep dive in die beängstigenden Dinge, die innerhalb des eigenen Kopfs vor sich gehen können. Ein Horrorfilm, der umso verstörender ist, weil es nicht die Außenwelt ist, die das Grauen bringt, sondern es sich dort in Rissen und Unebenheiten nur manifestiert: "Repulsion's depiction of a young woman's dissolution into madness is one of the most harrowing mental descents ever depicted onscreen" (Marjorie Baumgarten). Wie später "Rosemary's Baby" einer der Urtexte des modernen Horror.
4. Mord im Fahrpreis inbegriffen
Costa Gavras Debütfilm von 1965 heißt: „Mord im Fahrpreis inbegriffen“. Der französische Öffentlichepersonennahverkehr war also schon in den 60ern mit All Inclusive Angeboten unterwegs, als die deutsche Bahn von Free WiFi noch nicht mal zu träumen wagte. Typisch! Danke Merkel!
Jedenfalls, im Schlafwagen fahren sechs Passagiere in Marseille los, doch in Paris kommen nur fünf davon lebend an. Was nach einer klassischen Hitchcock meets Agatha Christie – Ausgangslage riecht, wird bei Costa Gavras zu einem flott inszenierten, durchaus etwas Nouvelle Vague beeinflussten Unterhaltungsfilm, in dem so viel geredet wird, als wär Robert Altman der Dialogcoach gewesen.
Trotzdem ist „Mord im Fahrpreis inbegriffen“ angenehm frisch, erstaunlich schnell und beeindruckend besetzt (Yves Montand, Simone Signoret und ein fantastisch schwitziger Michel Piccoli). Wenn mir jemand das für mich äußerst random erscheinende Ende erklären könnte, wäre ich dennoch sehr verbunden.
5. James Bond 007 - Feuerball
Einer der großen James-Bond-Filme aus der klassischen Sean-Connery-Ära. Gemeinsam mit "Goldfinger" (1964) begründet "Feuerball" viele der mythischen Elemente, die die James-Bond-Reihe von den Agentenfilmen seiner Zeit so abhob. Die Megalomanie ist dem Bösewicht Emilio Largo genauso eingeschrieben wie der Produktion des Films und Sean Connery definiert die Rolle des coolen Actionhelden in "Feuerball" für alle Zeit.
6. Das zehnte Opfer
Eine Pop-Art-Explosion im Korsett eines Science-Fiction-Films. Als würde ein Swinging-Sixties-Künstlerkolletiv Schwarzeneggers "Running Man" verfilmen: eine Reality-TV-Show auf Leben und Tod, in den schicksten Kostümen und den geometrischsten Szenerien vorstellbar.
7. Der Spion, der aus der Kälte kam
Kalter-Krieg-Klassiker von Martin Ritt auf Basis des berühmten John Le Carré Buchs. Hier wird spioniert und getäuscht und doppelgetäuscht, dass das schwarz-weiße Bild nur so durch den Kinosaal fliegt: "What the hell do you think spies are? Moral philosophers measuring everything they do against the word of God or Karl Marx? They're not. They're just a bunch of seedy squalid bastards like me, little men, drunkards, queers, henpecked husbands, civil servants playing "Cowboys and Indians" to brighten their rotten little lives. Do you think they sit like monks in a cell, balancing right against wrong? Yesterday I would have killed Mundt because I thought him evil and an enemy. But not today. Today he is evil and my friend."
8. Motorpsycho … wie wilde Hengste
"Motor Psycho" ist ein schwarz-weißes Thrillerdrama über Outlaw-Biker, die marodierend durch eine Wüstenlandschaft/dorf ziehen und so ein interessanter, sehr früher Russ Meyer - Film, der ganz anders als seine berühmt-berüchtigten späteren Werke ist. Natürlich ist seine Vorliebe im Casting auch hier zu erkennen, aber praktisch nudity-free.
Thematisch ist "Motor Psycho" damit näher an Biker-Exploitation-Filmen wie "Wild Angels" als an einem späteren Russ-Meyer-Titten-Opus.
Nebenbemerkung: auch hier zeigt sich übrigens wieder Meyers protofeministische Attitude. In einer Dialogszene zwischen einem Polizisten und dem Ehemann nach einer Vergewaltigung versucht sich der Polizist im "victim blaming" ("so wie sie angezogen war, braucht sie sich ja nicht zu wundern" etc) und wird darauf hin entschieden zurecht gewiesen wird. Da war Meyer moderner als viele seiner Zeitgenossen, gerade auch im Exploitation-Film.
Trivia: Die norwegische Psych-Rock-Band Motorpsycho hat sich nach Russ Meyers Film benannt: "they picked their name after seeing the Russ Meyer film of the same name as part of a Russ Meyer triple bill - there was already a band named after Mudhoney and a band named after Faster, Pussycat! Kill! Kill! - the other two films on the bill."
9. Le bonheur
Agnes Vardas zweiter Spielfilm lässt mich rätselnd zurück - ist das eine Klage über die Austauschbarkeit der Frau? Eine der Freien-Liebe-Zeit der 60er geschuldete freundliche Lobrede der Polyamorie? Ein raffiniertes Ausstellen von Klischees? Oder eine Kritik am Glücksstreben und des Immermehrwollens des Menschen (des Mannes?)? Ich weiß es nicht.
Ich weiß aber zumindest, dass die Farben und die Szenerien ganz fantastisch anzuschauen sind.
10. Alphaville
Godard goes Genre-Kino: dystopische Science-Fiction und Film Noir sind die Spielbälle, die Godard in die Luft wirft und mit dem Zaubertrick des Brecht'schen Verfremdungseffekts in Kunstkino verwandelt. Ohne "Alphaville" sähen die Texte und Bücher von Messer-Mann Hendrik Otremba mit Sicherheit anders aus.
Version von Lassie :: 23.02.2021
1. Für ein paar Dollar mehr
Dass der mittlere Teil von Sergio Leones grandioser Dollar-Trilogie ein echtes Meisterwerk ist, deutet bereits die sehr kunstvoll gestaltete Anfangsszene an, die zunächst mit der endlosen Weite der unschuldigen Prärie aufwartet, deren Idylle durch den pfeifenden Reiter noch verstärkt wird, aber nach wenigen Sekunden jäh die Gefahr und Brutalität, die der folgenden Handlung innewohnt, ankündigt, ehe die geniale Musik von Morricone, die den Film auch fortan trägt, einsetzt. Leone schafft zudem eine sehr interessante Personenkonstellation, indem er dem wahrlich diabolischen Bösewicht Indio (eindrucksvoll gespielt von Gian Maria Volonté) mit den hartgesottenen Kopfgeldjägern Monco und Colonel Mortimer gleich zwei Antagonisten gegenüberstellt, deren Kennenlernen und erstes "Beschnuppern" auch mit toller Intensität und der für die beiden Hauptfiguren charakteristischen Wortkargheit dargeboten wird. Clint Eastwood ist die Rolle natürlich auf den Leib geschneidert, aber Lee van Cleef (hier im Gegensatz zum letzten Teil der Trilogie noch als der "Gute" unterwegs), dessen Figur durch das Rachemotiv auch facettenreicher gestaltet ist, toppt ihn hier in puncto schauspielerischer Leistung sogar. Besonders legendär ist die Szene, in der sich Mortimer an der von Klaus Kinski verkörperten Figur "Wild" ein Streichholz anzündet und diesen weiter provoziert. Kinski wirft für die Reaktion dann seinen ganzen Wahnsinn in die Waagschale - so kann bzw. konnte das wohl kein zweiter Mime je spielen.
Auch wenn der Film vereinzelte Logiklücken aufweist, besticht er durch seine Intensität und Spannung, den stimmungsvollen Soundtrack, aber auch lässige Dialoge. Für zarte Gemüter ist er aber aufgrund zahlreicher von Brutalität geprägten Szenen sicher nicht geeignet. Als Notiz am Rande sei noch erwähnt, dass "Für eine Handvoll Dollar" auch ein Tabu gebrochen hat, indem die Figur Indio wiederholt beim "Gras"-Rauchen gezeigt wird, damals ein Novum für einen Film dieser Größenordnung.
2. Die vier Söhne der Katie Elder
Zweimal sah ich diesen gut besetzten Western als Kind bzw. Jugendlicher und er hinterließ einen bleibenden Eindruck bei mir. Die Handlung fesselte mich damals zusehends und ich fieberte beim Kampf der vier ungleichen Brüder für Gerechtigkeit leidenschaftlich mit (schon in jungen Jahren zeichnete sich hier wohl ab, dass ich mich zu einem Gerechtigkeitsfanatiker entwickeln würde). Die Charaktere der Brüder sind erfreulich differenziert gestaltet, wobei mein Held übrigens nicht die eigentliche Hauptfigur John Elder alias John Wayne, sondern der von Dean Martin verkörperte Tom war.
Auf jeden Fall einer dieser Filme, die sich ins Gedächtnis gebrannt haben und an die auch nach mehreren Jahrzehnten noch deutliche Erinnerungen vorhanden sind.
2005 gab es ja dann auch noch ein ebenfalls gelungenes Remake (mit Mark Wahlberg in der Hauptrolle), in dem die Handlung in die heutige Zeit verlegt wurde, das aber bei mir nicht gegen den nostalgischen Zauber des Originals bestehen kann.
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